Catégorie : Cinéma

Après la disparition de son père, un SDF de la Nouvelle Orléans, Nat Binder (Yancy Butler) engage pour le retrouver un certain Chance Boudreaux (Jean-Claude Van Damme). Chance connaît bien la ville, et c’est un pro dans l’art de botter des fesses au ralenti. Très vite, le duo découvre que le père de Nat est mort dans des circonstances suspectes. Et pour cause : il a été victime du gang de Fouchon (Lance Henriksen), qui vend ses services à de riches c%#nards pour une chasse à courre où l’homme devient la proie. Chance et Nat devenant gênants, Fouchon et son bras droit Van Cleaf (Arnold Vosloo) vont chercher à les éliminer. Il s’avère que Boudreaux a plus de répondant que le gibier qu’ils chassaient jusqu’à présent…

On n’arrête plus ESC, visiblement motivé pour nous offrir le best-of de JCVD dans des écrins en forme de VHS. Après les excellentes éditions de Double Impact et Cyborg, c’est Chasse à l’Homme de John Woo qui a droit à un traitement de faveur. Cette édition mérite des éloges, tout comme le film, une fois qu’on le redécouvre presque trente ans après.

Qui est Woo ?

En 1993, Van Damme grimpe encore au box-office. Il est vraiment une « star » du business, et ce qu’il veut dirige ses choix de carrière. Son souhait, c’est de tourner avec John Woo, réalisateur hongkongais qui impressionne tout le monde depuis quelques années avec Syndicat du crime et The Killer, et surtout avec À toute épreuve, sorti en 1992.

Malgré Piège de Cristal et Terminator 2, le cinéma d’action ricain tourne formellement en rond depuis un moment. Du côté de Hong Kong, par contre, c’est l’expérimentation et l’éclate à foison, en particulier dans le giron du fameux Woo. Son dernier film est à la fois totalement référentiel aux films US suscités, mais également porteur de toute la cinéphilie, de la sensibilité et de la sentimentalité du monsieur.

En fait, À toute épreuve est sa carte de visite pour l’Occident. L’année 1997 approche, et avec elle, la rétrocession de Hong Kong à la Chine. Pas mal de cinéastes locaux s’inquiètent de leur future carrière, et l’exode vers Hollywood est une option sérieuse, à laquelle répondra Woo (mais aussi Tsui Hark et Ringo Lam par la suite). De toute façon, le cinéma occidental était fasciné par les œuvres hongkongaises depuis les années 80. Importer directement les artistes devait fatalement arriver.

La « musique » de Woo

Importer John Woo, c’est faire venir son style, son langage cinématographique. Et il est très différent des habitudes hollywoodiennes.

John McTiernan, réalisateur de Piège de Cristal, comparait la réalisation d’un long métrage à la composition d’une musique symphonique. Dans un des bonus de cette édition, Christophe Gans, réalisateur du Pacte des Loups et de Silent Hill, dit de John Woo que sa « musicalité » s’apparente à un bœuf improvisé par un jazzman. En fait d’une simple succession de notes, que sont les procédés, les plans et les idées, Woo crée de l’effet, des sensations, en les empilant les uns sur les autres.

Grâce au montage, un même moment se joue, se traduit et se vit sous plusieurs perspectives et de plusieurs manières quasi simultanément. C’est important pour comprendre en quoi Chasse à l’Homme (Hard Target, en VO) a été un gros pari, et un peu une gageure pour ses principaux intervenants. John Woo avait tout pour bousculer les conventions de mise en scène d’un film d’action US. Mais, perçu comme un « newbie » par ses producteurs et sa star, il n’allait pas avoir les coudées franches pour y parvenir. Pas du premier coup.

Conflit d’opinions

On se doute que les producteurs avaient leurs idées bien à eux, et qu’ils ont été aussi frileux que de coutume. Il ne faut pas non plus oublier les règles absurdes de la censure américaine. Elles imposaient au réalisateur un quota de morts par scènes, et des coupes pour ne pas voir à la fois le flingueur et le flingué dans un même plan ! Sans parler d’une scène d’amourette cousue de fil blanc, imposée puis retirée suite à des projos test peu enthousiastes.

Les producteurs vont même chercher Sam Raimi pour lui offrir un poste de producteur exécutif. L’intention inavouée : si Woo devient ingérable ou s’avère incapable de bosser à cause de son anglais, le réalisateur d’Evil Dead le remplacera au pied levé. Dans un docu d’époque présent sur l’édition, il est étonnant, et réconfortant, d’entendre Sam Raimi jeune partager sa crainte sincère que le hongkongais se fasse bouffer par Hollywood. Cette crainte sera momentanément concrétisée avec son film suivant, Broken Arrow, mais surtout avec Mission Impossible 2, autre projet de commande d’une star mégalo.

John vend Van Damme

Jean-Claude, perspicace, mais un peu trop quand même, insiste pour que ce soit « un film de Van Damme » . Après tout, on paie pour le voir avant tout. Il semble qu’il imaginait une relation maître-servant avec son réalisateur, engagé pour magnifier sa personne, et non pour exprimer son génie. En conséquence, Woo ne peut pas présenter ses personnages comme il le voudrait. Il doit aussi faire le plein de plans sur les biscotos et la belle gueule de sa vedette.

Finalement, vingt minutes de film sauteront, retirant des moments entre personnages, mais aussi un attardement sur plusieurs scènes violentes. On perd surtout un élan de noblesse lors de l’assassinat de Roper, une dragouille un peu longue et inutile entre Chance et Nat, et une mort plus cash pour le maléfique Fouchon. Mais Woo est flexible, et obéir n’impacte pas tant que cela le produit final.

Le plus dommageable, ce sont quatre minutes de plans disparaissant encore pour la sortie cinéma. On perd encore un peu de sang, mais aussi beaucoup du « langage visuel » du réalisateur (comme des répétitions et des effets de ralenti ou d’arrêt sur image). Il faut attendre l’avènement du Laserdisc pour que la version uncut ressurgisse et fasse enfin la différence. C’est évidemment cette version que l’on trouve dans l’édition ESC (pour info, ces quatre minutes n’ont jamais été doublées en français).

Mais alors, John Woo est-il passé à la moulinette ? N’est-ce qu’un véhicule de plus pour JCVD, sympa mais sans plus ?

Qui va à la chasse à l’homme…

Un réalisateur hors norme, un projet inspiré des Chasses du Comte Zaroff (pas vraiment un concept fréquent), et une star à l’ego maousse ? Ça fait des étincelles. Chasse à l’Homme ne ressemble pas complètement à un film de John Woo, mais ce n’est pas du tout un film d’action lambda.

Déjà, les héros de Woo sont romantiques et chevaleresques. Pas courant dans un actioner américain. Le héros vandammien, certes pas dénué de noblesse, est surtout un prolo partant du bas pour gagner sa renommée. Les premiers surmontent l’adversité au nom d’une moralité propre (même les vilains). Le second est un battant à l’objectif immuable, prêt à faire une tête au carré à l’adversité pour l’atteindre. Deux conceptions a priori dures à marier.

Surprise ! Chasse à l’Homme n’est pas le rejeton difforme d’un mariage raté. C’est un film hybride entre « la méthode Van Damme » et « la réal John Woo ». Il joue les funambules, chancèle parfois, mais ne se casse jamais la figure.

Puisque l’Orient rencontre l’Occident, Woo mélange fort à propos genres et intentions. Van Damme devient Chance, un héros à l’allure digne, sauveur des demoiselles en détresse, mais son traitement évolue. Cela commence en hommage évident au western : façades héritées du vieil Ouest, bagarres de bar, gros plans sur les yeux, musique typique… Pourtant, Chance reste Van Damme, et il dégaine la jambe comme Clint Eastwood sort son six-coups.

C’est à mi film que tout bascule, quand Boudreaux reprend le flambeau de la police quasi naturellement (dans une chorégraphie élégante, digne du réal). Il se met alors à pétarader comme Chow Yun-Fat dans À toute épreuve. On entre complètement dans un film de John Woo tel que le voulait Van Damme… et il est servi !

… Affronte le surhomme

Contrairement à son compatriote Tsui Hark plus tard (avec Van Damme, d’ailleurs), John Woo n’expérimente pas avec Chasse à l’Homme. On lui demande de faire son truc, alors il s’adapte, il s’amuse, et ça se voit. On a beau justifier que Boudreaux est un ancien marine (et cajun, pour expliquer son accent), il a dû sortir de l’école militaire avec une spécialité « acrobate ».

Comme Cliffhanger la même année, Hard Target ne propose pas de héros crédible façon Piège de Cristal. Chance est un surhomme et ça ne s’explique pas. Van Damme fait l’équilibriste à moto, charme un serpent d’un coup de poing, effectue un triple salto sans trampoline, tient son flingue à l’envers, et il finit des ennemis déjà truffés de plomb avec son split kick légendaire.

https://www.youtube.com/watch?v=I4Ra-vSIZRw

Fort judicieusement, le dernier acte du film se déroule dans un cimetière d’accessoires pour Mardi Gras. Là, les situations inventives le disputent à un grotesque de fête foraine. Il faut dire que Jean-Claude donne le départ juché sur un pélican en papier mâché, en cartonnant de son pompeux rutilant la douzaine de salopards en dessous. Le décor aide sans peine à faire passer le message : bienvenue à la fête, camarade !

Frais, fou et fun

Difficile de dire si ces pitreries étaient une autre exigence de la star, après les plans sur ses biceps huilés. Heureusement, on rit avec le film plutôt que de s’en moquer. Par rapport à la mutation amorcée avec Die Hard quant au concept du film d’action hollywoodien, où l’unité de lieu est censée faire la différence (cf. Passager 57, Piège en haute mer, Cliffhanger, etc.), Hard Target propose autre chose, tant dans le fond que dans la forme. On obtient un film frais, fou et fun par rapport au tout-venant de l’époque.

La mise en scène de Woo se marie bien avec l’approche « multi-angles » qu’affectionne Van Damme pour ses chorégraphies, et l’action « à la hongkongaise » a gardé une sacrée patate. Si les flingues font « bang », les kicks font « BOUM ». Le style du réalisateur et les bruitages puissants confèrent aux pieds de JC une pèche démentielle, qu’on aura du mal à retrouver dans les futurs canons du genre comme Matrix, par exemple (lequel, ironiquement, emprunte aux chorégraphies câblées de Hong Kong).

Enfin, meilleur est le méchant, plus fun est le film. Ici, on en a deux. Lance Henriksen et Arnold Vosloo sont géniaux. Le premier perd peu à peu son sang-froid pour verser dans un cabotinage subtil, toujours à deux doigts de l’exagération, mais jamais ridicule. Quant au second, son sourire grimaçant, son accent élégant et sa grande taille marquent les esprits, bien avant qu’il ne devienne la momie dans le film éponyme de 1999.

Bref. Quasiment trente ans après, Chasse à l’Homme est à redécouvrir pour tous les amateurs d’action, les nostalgiques des années 90, les fous de Van Damme et les fans de John Woo.

Le point sur l’édition

Comme dans les précédents boîtiers VHS, on retrouve à l’intérieur un poster double face, ainsi qu’une dizaine de photos promo. Au même titre qu’avec Double Impact, un mini magazine K.O. Mag accompagne la bête, avec interviews, notes de production et le point sur la chasse à l’homme au cinéma. Très, très instructif. Le film est en deux exemplaires, le DVD et le Blu-ray, chacun avec des bonus spécifiques.

Le DVD contient les bandes annonces ainsi que la première partie d’une rétrospective consacrée à la filmo de Van Damme, par l’enthousiaste Arthur Cauras. Court mais sympa. Sur le Blu-ray, on a une présentation du sous-genre de la chasse à l’homme par Arthur Cauras (encore), complétant les informations du livret. Christophe Gans prend la parole pendant trente minutes pour nous parler de John Woo et du film, là aussi avec beaucoup d’infos et d’analyses pertinentes.

Les plus attentifs découvriront un sous-menu permettant d’accéder à des docus promo d’époque. Ils ont encore des choses à nous apprendre ! Dommage que leur qualité aille de « bof » à irregardable (la featurette de 1993). Je tairai le plus gros point fort des bonus, dans la continuité de ce que proposait l’excellente édition de Cyborg. Mais c’est une vraie pépite pour les fans de John Woo et les cinéphiles en général.

Encore une box de qualité pour un Van Damme qui le méritait. Attendons de voir ce que les futures sorties de l’éditeur nous réservent, mais ils ont la formule et la motivation. Ça ne présage que du bon.

Chasse à l’Homme sera disponible le 3 février 2021 chez ESC éditions, en boîtier collector VHS, en combo Blu-ray + DVD ou DVD simple.

Série incontournable du vigilante movie et du revenge movie, la franchise Un Justicier dans la ville est enfin sortie en intégralité en coffret chez Sidonis Calysta. Voilà l’occasion de bien commencer l’année, d’abord en se posant les bonnes questions, puis en finissant par quelques barres de rire. Pour ceux qui découvrent la franchise, elle prend la forme d’une kermesse de la croisade implacable d’un homme, Paul Kersey, contre les muggers (agresseurs des rues), puis contre le crime organisé. Une spirale de laquelle le personnage et son interprète ne sortiront plus jusqu’à, fatalement, tomber dans l’autoparodie.

Un Justicier dans la ville (Death Wish, 1974)

Paul Kersey (Charles Bronson) est un architecte new-yorkais, marié, avec une fille, et tout lui sourit… pendant les cinq premières minutes. Tandis qu’il est au boulot, trois loubards suivent sa femme et sa fille chez elles. Quand Paul est averti, il est trop tard. Les truands ont disparu, après avoir tué sa femme et violé sa fille. Petit à petit, de rencontres en hasards, Kersey va jeter son impuissance aux orties. Il va s’armer, passer à l’auto-défense, puis se mettre carrément à casser du punk…

Death Wish de Michael Winner est à voir absolument, que l’on soit ou non fan de polars noirs, des vigilante movies ou de Charles Bronson. Il suscite des remises en question intelligentes et intelligemment traitées, nécessaires en ce début d’année 2021, quand tout autour de nous, depuis les rues jusqu’aux hautes sphères politiques, semble tellement aller de travers. Certes, les « racailles » des années 70 ressemblent plus à des hippies qu’aux terreurs secouant nos vies au XXIème siècle. Mais, esthétiquement, le film possède un charme désuet qui permet de prendre plus à la légère, et avec un meilleur recul, les problèmes abordés.

Un homme dans le justicier

Ce qui vend si bien Un Justicier dans la ville, c’est son rythme et son protagoniste. La tragédie de Kersey pourrait nous arriver, et la progression du personnage semble naturelle et compréhensible. Grand-père spirituel du Punisher et précurseur au héros victimisé que sera John Rambo, Paul n’a pourtant rien du flic polémique « Dirty » Harry Calahan. Objecteur de conscience dans l’armée, le monsieur est logiquement la dernière personne à souhaiter tirer sur autrui.

Avec une régularité de métronome et une précision implacable, le film va faire changer à Kersey son regard sur le monde l’entourant. Ce peut être via de brefs échanges avec son entourage (son beau-fils, ses collègues, un entrepreneur du Middle West), des scènes de la vie quotidienne auxquelles il n’aurait pas prêté attention quand tout était « parfait » (un blessé ignoré au beau milieu d’un hôpital, sa première altercation avec un mugger), et même plusieurs allusions au western (dont une représentation dans une fausse ville de l’Ouest, attisant autant la fascination que la consternation de Paul).

Si ce que fait « le Justicier » n’est pas défendable, on comprend ses raisons, à l’instar du récent Joker de Todd Philips, lequel se déroule dans les années 80 et lui emprunte même une scène clé se passant dans le métro. Mais là où le clown est un psychopathe, Paul reste un membre « modèle » de la société. C’est un homme ordinaire et mentalement équilibré, qui réagit graduellement à ce qu’il traverse. Certes, il s’extasie d’avoir repoussé un loubard avec une chaussette bourrée de pièces, mais il ira ensuite vomir après avoir tué quelqu’un pour la première fois. On y croit, quoi.

Pertinent à toutes les époques

Le film se compare plus d’une fois au western, et c’est judicieux compte tenu du contexte. Les choses ont changé. Ce n’est plus ni le temps ni le lieu pour renouer avec l’attitude des pionniers, ni avec un cinéma de poseur et enjolivé. Dans Death Wish, le monde urbain est gris et sale, et ce qu’on a à défendre ne dépend plus de nous, mais d’une loi qui préfère regarder ailleurs quand ça l’arrange (l’attitude sidérante des politicards du film est, hélas, encore plus concevable à l’heure actuelle).

Fort heureusement, Un Justicier dans la ville ne va jamais dans un sens ou dans l’autre, ne nous sermonne jamais réellement sur le bien ou le mal des agissements de son anti-héros. Contrairement au remake de 2018, ce n’est jamais le destin ou le bon Dieu qui aide Kersey à s’armer ou à échapper à la police. Par exemple, c’est bien un homme qui lui offre une arme à feu, sous le manteau et à son insu. Mais le dernier plan glaçant signifie bien que le problème (de Paul, de la société) ne mourra jamais vraiment.

C’est aussi le problème de cette franchise qui n’aurait jamais dû être, mais qu’un studio expert en exploitation allait récupérer.

Un Justicier dans la ville 2 (Death Wish 2, 1982)

Ils ont violé et tué sa fille. Monumentale erreur. On peut résumer ainsi toutes les nouvelles aventures de Kersey : il a refait sa vie, quelqu’un la lui ruine, et il leur ruine la g****. Paul est redevenu architecte à Los Angeles, a trouvé une nouvelle compagne et prend soin de sa fille, toujours traumatisée et mutique. Rebelote, des loubards forcent chez lui après avoir flashé sur sa moustache. Ils violent (six fois) sa femme de ménage, kidnappent sa fille, violent sa fille, puis cette dernière se défenestre en se sauvant.

Voilà une suite d’exploitation conçue après le rachat de la licence par Cannon Group (les Portés Disparus avec Chuck Norris, Superman IV ou encore Cyborg). Mais Un Justicier dans la ville 2 ne tient pas du nanar, même si l’outrance des années 80 commence à tâcher. Le film ne stagne pas et amorce une vraie évolution. Souvent, l’opus 2 cimente un personnage dans l’imaginaire (Rambo 2, par exemple). On peut se demander si Death Wish 2, volontairement bigger, est meilleur ou plus pertinent, mais il marque les esprits. Le viol va plus loin dans le malsain, et les punks sont encore plus déplaisants. Quelques vannes pointent le bout de leur nez, et quand ça cartonne, Michael Winner a les moyens du spectacle.

On apprécie à sa juste valeur l’évolution de Kersey. Certes, le point de départ est facile (Paul subit le même outrage), mais on passe du vigilante au revenge movie. C’est un homme désormais confiant et méticuleux qui part sillonner les rues à la recherche des coupables. Plus froid, il essaie tant bien que mal de concilier vendetta personnelle et vie privée. La fin, appropriée, scelle définitivement le sort du personnage et de son acteur. Kersey/Bronson sera désormais « Le Justicier », et il l’assumera jusqu’au bout.

Le Justicier de New York (Death Wish 3, 1985)

Ils ont tué son copain. Monumentale erreur. Paul revient à New York crécher chez un ami qu’il retrouve mort, tabassé par les loubards terrorisant le quartier. Après qu’un inspecteur au fait de son passif l’ait recruté « pour faire le ménage », Paulo s’installe et commande son arsenal par la poste. Il va ensuite balancer des drogués depuis les toits, et tirer dans le dos des voleurs de sac à main sous les applaudissements des mémés du quartier. Entre deux morceaux de bravoure, il va draguer une avocate de vingt ans sa cadette, et épater les résidents du bloc avec une présentation régulière de ses pétoires.

Tu apprécies les questionnements subtils sur la légitime défense, et tu n’aimes pas qu’on te dise quoi penser ? Dommage. Mais si tu aimes Les Guerriers du Bronx, la dérision et les fusils à éléphant, viendez ! On a du mal à croire que Michael Winner réalise toujours. Fini les sous-textes : les armes, c’est bien, et le crime, c’est mal. Toutefois, la faiblesse du Justicier de New York fait sa force. Son énormité fait qu’on ne s’ennuie JAMAIS. Oubliez la zone grise entre Bien et Mal. Depuis Death Wish 2, l’objecteur de conscience est passé pro dans l’art de liquider les raclures. Belle excuse pour lui faire poser des pièges à la Maman, j’ai raté l’avion, avant de sortir son magnum pour une guerre finale improbablement fun.

Death Wish 3 souffre d’une rupture de ton et d’idéologie. Devant tant de ridicule, difficile de dire si Winner se moque des réacs de tout poil, ou s’il flatte leur ego et encourage la révolte. En tout cas, Le Justicier de New York est fichtrement marrant, et toujours raccord thématiquement en concluant la guerre de Kersey contre son ennemi juré : la racaille des rues.

Le Justicier braque les dealers (Death Wish 4 : The Crackdown, 1987)

La drogue a tué sa belle-fille. Monumentale erreur. Ça paraît incroyable, mais Kersey a eu une vie après Death Wish 3. Revenu à Los Angeles, il est architecte (encore ?!) et en couple avec Karen. Quand la fille de cette dernière claque d’une overdose, Paul tue le dealer responsable et attire l’attention de Nathan White, un millionnaire pleurant le décès de sa propre progéniture. Il veut engager le Justicier pour… tuer le commerce de la drogue en Californie ! Heureusement, Paul n’a rien de mieux à faire.

La Cannon exploite la licence jusqu’au trognon et sort Le Justicier 4 en à peine deux ans. Pour l’occasion, Kersey devient un croisement entre le Punisher et James Bond. Il met à sac des labos clandestins, se déguise pour infiltrer des anniversaires, pose des mouchards dans les téléphones et piège des bouteilles de vin ! Michael Winner n’est plus là, et on s’en rend compte dès l’introduction, pertinente en soi (Paul rêve de son activité de Justicier, avec un twist), mais c’est ridicule à voir. Surtout, l’attention glisse de la guerre des quartiers à celle contre la drogue, ce fléau que les années Reagan mettaient un point d’honneur à éradiquer.

Death Wish 4 tord ce que Kersey représentait jusque-là, même quand c’était douteux. Il ne défend plus les petites gens contre une racaille face à laquelle l’autorité est impuissante. Il part en guerre contre le crime organisé, ennemi juré des forces politiques d’alors, et pour lequel toutes les figures importantes viennent des minorités (bonjour, le racisme !).

Mais avouons qu’on s’amuse beaucoup devant ce quatrième film, convoquant les meilleures gueules du genre (Danny Trejo, Mitch Pileggi), n’accusant pas de baisse de rythme, et offrant quelques sympathiques rebondissements. Surtout, il se conclut sur un règlement de compte aussi tragique qu’involontairement drôle.

Le Justicier : l’Ultime combat (Death Wish 5 : The Face of Death, 1994)

Ils ont défiguré et tué sa fiancée. Monumentale erreur. Kersey est professeur d’architecture à New York (sérieusement ?!). Il sort avec une couturière divorcée d’un mafieux au bras long. Paul aimerait se marier, mais elle veut témoigner contre son ex. Naturellement, il la défigure, la fait tuer et, comble de l’outrage, récupère la garde de sa fille.

Le Justicier 5 ressemble à un téléfilm et a été tourné au Canada, à défaut de New York. En plus, il coche toutes les cases de l’époque. Crime organisé façon Le Parrain, méchant terriblement méchant, flics ripoux, procès déterminant pour le bad guy et petite fille à sauver. Et bien sûr, la douche froide pour Kersey, qui redémarre encore miraculeusement sa vie pour qu’on lui f**** en l’air. Bref, la pertinence du film est discutable, à tel point que l’éditeur l’a collé en guise de bonus sur le bluray du quatrième opus, avec seulement la VF.

En 1994, Bronson a 73 ans tout de même, et les Arme Fatale et autres Die Hard ont donné un nouveau visage à la justice sauvage. Ç’aurait été l’occasion de conclure l’épopée, mais L’Ultime combat ne fait aucun effort dans ce sens. Il ne cherche qu’à divertir, et il y parvient. Le Justicier s’amuse au moins autant que nous quand il empoisonne un gus avec des canolli ou en explose un autre avec un ballon. C’est aussi l’occasion de satisfaire le sadisme du spectateur, récompensé par quelques touches de gore.

Paul offrira ses services à la police dans le dernier plan, sans suite. Pas de regret. Death Wish 5 n’a rien de véritablement honteux, ce qui est déjà un exploit (comparez-le à Die Hard 5, qu’on rigole). Mais il sent trop la redite. Il était temps d’arrêter.

Résumé justicier

En regardant les cinq films d’affilée, chaque épisode est, finalement, assez cohérent avec son époque, ses préoccupations, ses craintes, et surtout sa manière de les exploiter à l’écran. Le sérieux grave et les questionnements troubles des années soixante-dix sont peu à peu remplacées par l’outrance de la décennie suivante. Là, l’exagération à tous les étages allait de pair avec la peur grandissante de perdre le contrôle du « monde civilisé », et Death Wish 2, puis 3 savaient s’en moquer avec le recul suffisant.

À la fin des années quatre-vingt, Rambo et Rocky, par exemple, étaient devenus des porte-étendards pour l’Amérique et sa politique. Chuck Norris aussi, dans le giron des deux franchises de la Cannon qu’étaient Portés Disparus et Delta Force. Pas d’étonnement à ce que Kersey leur emboîte le pas, dans une lutte contre les dealers complètement à l’Ouest mais toujours aussi fun, eighties obligent. Enfin, dans les années 90, on n’avait plus grand chose à cirer de ces problématiques, et Death Wish 5 se contente de n’être qu’un produit de consommation sans beaucoup d’imagination, redondant et routinier.

Critique bonus : Death Wish (2018)

Parlons de Death Wish par Eli Roth (pas dans le coffret). Paul Kersey (Bruce Willis) est chirurgien à Chicago, marié, avec une fille. Tandis qu’il est au boulot, trois braqueurs entrent chez lui. Quand sa famille arrive au bloc blessée par balles, sa femme meurt et sa fille tombe dans le coma. Petit à petit, Kersey va s’armer et se mettre à casser du punk. Quelque temps après, il retrouve la piste des coupables…

Beaucoup de choses sentent la fainéantise, dans ce remake. Evolution des temps ? Peut-être, mais pas celle de la société et des questionnements. Juste celle d’un cinéma « de service » qui se veut cool et fun sur une base qui, croit-on, suffit à elle-même. Death Wish en sort tristement aseptisé (pas de viol à domicile, par exemple).

La seule idée géniale, « Paul devient chirurgien », est censée expliquer la froideur du bonhomme, mais Bruce Willis semblait déjà sous Lexomil depuis dix ans. Quant au savoir médical de Kersey, il ne sert qu’à justifier une scène de torture trash. Oubliez la lente évolution du personnage. À notre époque, c’est plus simple d’embaucher l’acteur le plus je-m’en-foutiste et le réalisateur du complaisant Hostel.

Surtout, Death Wish pue l’hypocrisie, avec Paul voyant toujours la solution tomber du ciel. Son premier pistolet, sa première piste pour retrouver les coupables, une boule de bowling fracassant un salaud, etc. La quête du personnage est moins ambiguë et méritoire si le bon Dieu s’en mêle si souvent. On pourrait détailler le reste : sensationnalisme, furtivité improbable de Paul à l’époque des smartphones, laxisme des flics… Mais bon, le film ne s’y attarde pas non plus.

Comment les regarder ?

Concernant l’ordre, et pour la pertinence, voyez avant tout les deux opus originaux. Si vous êtes capable de rire d’une blague douteuse sans tout prendre absolument au sérieux, Le Justicier de New York puis Le Justicier braque les dealers sont sacrément fendards. Quant au Justicier 5, il fait le job à la manière de L’Inspecteur Harry est la Dernière cible. Il mâche et recrache tous les clichés de l’époque et les codes de la franchise, mais il le fait en s’appliquant. Le remake passe en dernier, mais pour le coup, on en rit jaune comparé au reste.

Après cinq épisodes tirant toujours plus vers le grotesque, il faut reconnaître à la saga originale son plus grand avantage : on ne s’ennuie jamais à la regarder. C’est probablement le plus important à retenir, et c’est pourquoi je ne peux que la recommander, d’autant que les copies sont, a priori, les plus belles sur le marché.

La saga Un Justicier dans la ville est disponible en DVD ou Bluray, en coffret ou séparément, chez Sidonis Calysta.

Après sa capture puis sa mort supposée au cours d’une mission, un agent de la CIA (John David Washington) est recruté par l’organisation secrète Tenet. Cette dernière existe avant tout et surtout pour combattre la menace des objets « inversés », des armes et munitions qui ont la particularité de réagir à reculons dans notre temporalité (les balles retournent dans leurs chargeurs, les voitures crashées retombent sur leurs roues, etc.). Apparemment, cette inversion est réalisée dans le futur, lequel enverrait son matériel et ses informations à Andrei Sator (une parodie de Kenneth Branagh). Il semble que les hommes de l’avenir n’aiment pas beaucoup leurs ancêtres, et comptent sur le caractère auto-destructeur du monsieur pour provoquer avant l’heure la fin du monde…

C’est drôle de voir le nouveau McGuffin du réalisateur de The Dark Knight. Quand il ne s’occupait pas de Batman, il jouait presque toujours avec le temps et les dimensions. Mais c’est la première fois que son film parle littéralement « d’avancer à reculons », à moins qu’il ne s’agisse de « revenir en arrière pour avancer ». Memento racontait par tronçons une histoire linéaire, mais à rebours. Inception explorait des temporalités s’étirant toujours plus à mesure qu’on s’enfonçait dans l’esprit humain. Et Interstellar parlait déjà d’un futur influençant le passé, et d’un voyage où les héros subissaient et affrontaient les effets d’un temps imprévisible (notamment aux abords d’un trou noir). Je schématise à mort et je trace de gros parallèles, hein. Là où je veux en venir, c’est que depuis Interstellar, Nolan semble avoir fait le tour de ses préoccupations, et il ne fait plus que jouer avec, sans vouloir aller plus loin.

Précédemment, chez Christopher Nolan

J’avais beaucoup bavé au sujet d’Interstellar à l’époque. Ce film était fascinant malgré ce qu’il est convenu d’appeler « la routine Nolan ». Pour résumer, Nolan ne réinventait pas Christopher, et il refaisait exactement tout ce qu’on avait pris l’habitude de voir chez lui. Une exposition archi-verbeuse délivrée par un érudit (en l’occurrence, Sir Michael Caine). Des ellipses temporelles immenses gérées à l’aide d’une simple coupe, à deux doigts d’être paresseuses quand elles servent à éluder les pires incohérences (cf. The Dark Knight Rises). Et enfin, une longueur parfois désespérante, qui passe quand le réalisateur nous offre vraiment quelque chose à contempler (ce qui n’est pas toujours le cas, à cause de sa mise en image presque naturaliste). Heureusement, Nolan est un conteur hors pair, qui manie les dialogues et le découpage comme personne, rendant le tout fascinant à suivre.

Mais ce qui était hypnotique au début devenait de plus en plus routinier et casse-gueule, film après film. Le réalisateur était peut-être conscient que l’esbroufe ne fonctionnerait pas éternellement, chaque nouvel opus mettant plus à mal la suspension d’incrédulité. The Dark Knight Rises a été une plongée en apnée au ciné, mais il ne supporte pas deux, puis trois visionnages sans révéler les failles de son histoire, de grosses failles. Interstellar est alors arrivé comme un film terminal, qui se vivait comme un aveu, une leçon sans tabou sur la logique et les procédés du cinéaste (pour lire la réflexion en entier, c’est par ici).

Le cinéma, pour Nolan, c’est de la magie. Il faut mener le spectateur à la baguette le temps du film, et le tour est joué. Mais plus on voit le tour, plus on pige le truc, et le magicien a compris cela. Interstellar était son premier film duquel je suis « sorti » mentalement avant la fin, à cause de tous ces trucs qui me sautaient aux yeux. Mais c’est normal, Nolan nous offrant en réalité la clé de sa propre magie en tant que réalisateur. Ce qui arrive dans l’intrigue est littéralement ce qui arrive à ses spectateurs à chaque film. Ils sont pris par la main et guidés par une entité supérieure contrôlant les dimensions, mettant en scène les conditions et le déroulement des choses, jusqu’au dénouement prévu (dans un lieu qui, comble de l’analogie, ressemble à une vue sur un plateau, permettant les prises à l’envie).

En bref, Interstellar ressemble à une relecture des mythes et figures nolaniennes, mais en réalité, c’est un livre ouvert sur son esprit. Volontairement ou non, Nolan se mettait à nu, « révélait le truc », et quelque part, la magie s’envolait.

Christopher refait du Nolan

Interstellar était un aboutissement, un pic dans la carrière de magicien de Christopher Nolan. Il ne pouvait plus faire que l’une des trois choses suivantes :

• Prendre sa retraite ;
• Se réinventer, et explorer de nouveaux sujets et procédés ;
• Se reposer sur ses lauriers et refaire la même chose, au point de devenir l’ombre de lui-même.

Dunkerque ressemblait à une récréation pour le cinéaste. Il jouait encore avec les temporalités, mais sans vraie justification autre que « ouuuuh, vous avez vu ? ». Le film était maîtrisé mais pas si mémorable ni cérébral que ses précédents efforts. En fait, beaucoup attendaient le nouvel Inception avec Tenet, un métrage qui, cette fois, tournait réellement autour du temps, ou plutôt, de l’inversion du temps. De quoi nous retourner la tête, si le Nolan d’aujourd’hui était un autre que celui d’hier.

Car les tares habituelles du cinéaste, décodées depuis Interstellar, sont toujours là. Il en est même au point où il semble se parodier plus qu’autre chose. Surtout que l’auteur a avoué en interview qu’il voulait plus que jamais offrir un film d’espionnage insouciant et divertissant, comme jadis. Venant de lui, moins ambitieux que ça, tu peux pas. Même en tenant compte de cela, Tenet aurait pu être un sacré ride de par son McGuffin. Le souci, c’est que l’intrigue est faussement compliquée (à la Nolan, quoi), et que son nouveau gimmick s’avère visuellement casse-gueule.

Nolan la refait à l’endroit

Ce qui ne change pas chez Cricri finit par porter préjudice au film. Pour commencer, on a des dialogues expositoires et cérébraux, débités platement par des acteurs en bois, totalement déconnectés de ce qui arrive. Franchement, je ris encore de l’absence TOTALE de réaction chez John David Washington quand on lui annonce que les objets inversés nous sont envoyés du futur. Ou alors, c’est l’exact contraire. Kenneth Branagh serait flippant s’il n’était pas si cliché et ne débitait pas des menaces absurdement hilarantes, dans le prolongement du rôle qu’il tenait dans The Ryan Initiative.

Quant à l’histoire, c’est un attrape-couillons. Nolan, en bon « magicien » encore une fois, ne fait dire à ses personnages et ne montre que ce qui l’arrange. Passer sous silence incohérences et autres principes physiques au service de son histoire, ce n’est pas un crime. On en a seulement l’habitude depuis Inception. Ce qui est plus embêtant, c’est à quel point son récit est prévisible malgré l’apparente imprévisibilité de l’entropie inversée. On s’en doute, tout finit fatalement par mener à de vrais retours en arrière, et les gros rebondissements se sentent venir à dix kilomètres. Certes, Nolan avait annoncé ne pas réinventer la roue, mais il ne se réinvente pas lui-même. Et à l’instar d’Interstellar, Tenet ne surprendra aucun routard de la SF.

L’action à l’envers, c’est drôle

Le plus gros souci, involontaire, provient du traitement de la fameuse inversion au sein de l’action. Il suffit d’une scène d’exposition pour que les prémices de l’inversion quantique nous fassent saliver (« Des flingues qui tirent à l’envers ? Des objets qui tombent à l’envers ? Comment ça va être dingue ! »). Mais aucune scène ne parvient jamais à avoir la folie ou l’envergure espérée. Ce n’est pas vraiment qu’on trouve plus d’ambition dans les braquages « à la James Bond » plutôt que dans l’inversion proprement dite. Parlez-moi d’une rixe entre un type se battant à l’endroit et l’autre à l’envers, ou une poursuite contre des voitures « inversées » sur une autoroute, et honnêtement, j’achète. C’est juste que la mise en boîte de Nolan, essentiellement portée sur le découpage, n’est pas vraiment « repensée » pour leur donner l’envergure adéquate.

Sur le papier, le concept est classe. Mais à l’écran, à l’exception d’un ou deux moments clés dont on sent la préparation (la fameuse rixe), l’inversion de l’image est plus incongrue qu’autre chose, et souvent même, involontairement drôle. Je pense à la fameuse voiture roulant à l’envers, ou à une séquence d’interrogatoire dont l’idée prime sur la pertinence. Et il y a surtout le climax faussement confus, à cause de ces explosions et assauts se produisant en marche arrière. On veut nous faire croire à une bataille épique, mais le résultat fait penser à une partie de paintball interentreprises retouchée avec After Effects. La comparaison est dure, mais elle traduit à quel point Tenet m’a fait rire malgré moi… et malgré lui.

Tenet est très clair

Ce qui est clair avec Tenet, c’est que Nolan essaie faussement de nous la faire à l’envers. Contrairement aux apparences et malgré son sujet, le cinéaste ne revient pas en arrière. Il fait du surplace. L’emprise d’Interstellar s’était estompée avant le générique de fin, mais je n’ai jamais été embarqué dans Tenet malgré des qualités ayant fait leurs preuves et un prétexte intriguant.

Le cinéaste semble n’avoir plus rien à dire, et à moins d’une épiphanie, il a rejoint un cercle « prestigieux ». Celui des auteurs condamnés à se répéter encore et encore, aussi fascinés par eux-mêmes que par les concepts qui les tourmentent. Le même club étant fréquenté par Zack Snyder et Michael Bay, des zozos aimant beaucoup se regarder le nombril, j’espère le voir voguer à contre-courant et nous revenir avec un nouveau tour de magie.

LES + :

• L’honnêteté et la maîtrise de Nolan sont intacts.
• Le concept est plein de potentiel.

LES – :

• C’est un film de Nolan, avec tous les défauts qui vont avec (long, prévisible, avec des acteurs sous Prozac).
• La magie du cinéaste n’opère plus.
• C’est parfois involontairement drôle.